Collection Roger

Photography By, Artwork – Sheila Linz Jack Bruce - vocals, bass, harmonica Clem Clempson - guitar David Sancious - keyboards, guitar Billy Cobham - drums Enregistré en 1980, cette sortie en solo de Jack Bruce trouve le légendaire bassiste Cream rejoint par le batteur Billy Cobham, le joueur clé David Sancious, et le guitariste Clem Clemson. Comme on peut s'y attendre, la musicalité est superlative, mais ceux qui attendent le blues-rock de Cream seront surpris. Bruce et sa compagnie font appel au jazz, au rock et à l'art-pop partout, ce qui fait que JE VOUDRAIS TOUJOURS FAIRE ça va bien avec d'autres pop progressives du début des années 80. "Hit and Run", "Dancing on Air" et "Bird Alone" sont parmi les points forts.

Pochette : Tony Kite. Haim Romano: guitares, mandoline, orgue Miki Gavrielov (Mike Gabrielle): basse, chœurs Robb Huxley: guitares, chœurs Danny Shoshan: chant, congas Ami Triebich: batterie, percussion C'est en arrivant en Angleterre que "The Churchills" changèrent leur nom en Jericho Jones. Fraichement signé par A&M Records, le label et le producteur Ellis Elias trouvant qu'un groupe venant d'Israel ne pouvait pas s'appeler "The Churchills", les musiciens se décidèrent pour Jericho (qui rappelait Israel) Jones (qui est typiquement anglais)1. L'album fut enregistré lors d'une session marathon de 24 heures aux studios Tangerine à Londres sur une console 8 pistes1. Il sera mixé plus tard par Ellis Elias qui décida aussi du nom de l'album, reprenant le titre d'une chanson qui y figure. C'est le label qui s'occupa du design de la pochette qui montre une main sortant des ruines de Jéricho Les titres sont encore marqués par le rock progressif et psychédélique, mais commencent à s'orienter vers un rock plus dur, ce qui se confirmera sur l'album suivant. Un seul single sera tiré de l'album, "Time Is Now", une composition du leader de Mungo Jerry, Ray Dorset. L'album sera réedité en 1990 par Repertoire Records avec cinq titres bonus provenant des singles et qui ne figurent sur aucun album du groupe. Il est à noter que les titres des face 1 et face 2 sont inversés sur la réédition.

Photography By [Back Cover] – Jim Rockwell Photography By [Cover Photo], Design – H L Turner Vocals, Harmonica – Pete Bailey Bass – Ray Turner Lead Guitar – Dave Mitchell Percussion – Doug Tull De Houston, au Texas, Josefus a été crédité pour être "l'un des premiers modèles pour le son émoussé du Texas Hard Rock un heavy metal". Ils ont également été présentés dans Classic Rock dans un article intitulé: "The Lost Pioneers of Heavy Metal". Les membres du groupe Dave Mitchell et Ray Turner ont d'abord joué dans un groupe au lycée appelé Rip West. Les deux, avec Doug Tull enregistrerait une démo intitulée "Je t'aime". Le groupe a changé son nom pour Josefus, lorsque le chanteur Pete Bailey a rejoint le groupe. Phillip White, le deuxième guitariste du groupe, quitte le groupe en 1969. Plus tard, ils enregistrent un album Get Off My Case à Phoenix, Arizona en décembre 1969 avec le producteur Jim Musil, l'album n'a jamais été publié. Cela a incité le groupe à retourner au studio avec son propre argent et son disque Dead Man en mars 1970. Le groupe a rapidement attiré un énorme succès en direct, ouvrant pour des groupes comme ZZ Top et Grand Funk Railroad. Malheureusement, Dead Man un mélange lourd de rock acide de style Led Zeppelin, avec un twist Sud défini était destiné à l'obscurité en grande partie parce qu'il n'a pas été publié sur un label approprié (le groupe a réellement payé pour le pressage et l'a libéré sur leur propre label "Hookah".) Cette même année a vu la sortie de leur troisième album éponyme sur Mainstream Records. Ils ont également enregistré quatre singles sur l'étiquette de Hookah ( Esclave de la peur, Laissez-moi vous aimer, Hard Luck, &) Josefus présenterait leur dernier spectacle à Houston, au Texas, à un salon de l'automobile, bien que le groupe se réunirait à la fin des années 1970. En 1990, le groupe réunira encore une fois avec le batteur Leesa Harrington-Squyres) après que Doug Tull ait été retrouvé pendu dans une cellule de prison à Austin, TX, et enregistre Son of Dead Man sur Paradise Lost records. La page Josefus

Cover [Painting] – James Valkus Design [Album] – Izzy Sanabria Vocals, Harmonica – Pete Bailey Lead Guitar – Dave Mitchell Percussion – Doug Tull Electric Bass – Ray Turner Josefus a été l'un des premiers groupes américains à faire le pont entre le hard rock des années 60 et le heavy metal du début des années 70. Leurs deux albums, sortis en 1970, ont été extrêmement influencés par Led Zeppelin et, dans une moindre mesure, par d'autres groupes de rock britanniques et américains de la fin des années 60. Le blues-rock formait une grande partie de la base; Les chants torturés de Pete Bailey devaient beaucoup à l' école Robert Plant , et les chansons étaient construites autour de riffs croquants. Mais les chansons et les riffs, la plupart du temps dans une posture de mauvais pronostic, n'étaient pas très bons. Si Josefusétait un pionnier, c'était dans le sens où le groupe était l'un des premiers modèles pour le son contondant du hard rock et du heavy metal du Texas, qui a été largement diffusé par ZZ Top Le guitariste de Josefus , Dave Mitchell , et le bassiste Ray Turner ont joué ensemble dans le groupe de lycée Rip West (deux morceaux de Rip West apparaissent sur la boîte de trois CD Josefus , Dead Box ). Mitchell , Turner et le batteur Doug Tull ont ensuite joué ensemble dans un groupe pré- Josefus dont la démo, "I Love You", peut également être entendue sur Dead Box . Mitchell , Turner et Tull ont changé leur nom pour Josefus quand le chanteur Pete Baileyrejoint Bien que Phillip White ait été dans la première formation de Josefus en tant que deuxième guitariste principal (et qu'il ait été entendu sur trois morceaux en début de carrière sur Dead Box ), il a abandonné à la fin de 1969. Peu de temps après, en décembre 1969, Josefus enregistra la valeur d'un album à Phoenix. Le producteur, Jim Musil , voulait que le groupe change son nom pour Come avant que l'album ne sorte, contrairement aux souhaits du groupe, bien que le groupe ait joué comme Come pendant quelques semaines. Un single, "Crazy Man" / "Country Boy", de ces sessions a été publié sur le label Dandelion. Mais l'album est resté non publié, mais il est sorti de nombreuses années plus tard sous le nom Get Off My Case . Frustrés par sa non-apparence, les membres du groupe sont retournés au même studio pour enregistrer Dead Man, qui combinait des réenregistrements de chansons qu'ils avaient faites aux sessions de décembre 1969 avec de nouveaux morceaux. Dead Man a été enregistré en une journée en mars 1970 et a été diffusé par un pressage de 3 000 sur le propre label Hookah du groupe pour distribution au Texas. Josefus était un acte de concert populaire à travers le Texas en 1970, et a enregistré un deuxième album éponyme pour Mainstream à Miami qui est sorti plus tard cette année. Ce deuxième album était un peu moins dérivé de Led Zeppelin , et un peu plus large dans le style, que les débuts avaient été. Les membres du groupe ont été déçus et ont donné leur dernier concert en décembre 1970 lors d'un salon automobile à Houston. Josefus a réuni à la fin des années 70 pour quelques spectacles et enregistrements, en mettant deux singles sur le label Hookah. Ceux-ci apparaissent également sur la boîte Dead Man à trois CD , qui combine les albums Dead Man et Josefus avec un CD de raretés live et studio.

Artwork: Helmut Wenske - Michael Koch / guitar, vocals - Gunnar Schäfer / bass, vocals - Ringo Funk / drums, vocals Jeronimo est un groupe heavy psych / hard rock originaire d'Allemagne et leur deuxième album est sorti en 1971 de leur courte carrière. C'est un excellent album de heavy psychopathe avec des arrangements hard rock dominés par la guitare de Michael Koch et des notes de basse impressionnantes de Gunnar Schäfer. Je l'aime vraiment beaucoup, est très agréable avec beaucoup de passages mémorables, toutes les pièces ont des boules offrant des performances de premier ordre. Pour cette période au début des années 70, Jeronimo a fait une performance live prolifique avec Deep Purple ou Golden Earring, étant l'un des groupes allemands les plus connus de cette période. Cet album selftitled offre de bonnes riffs hard rock, d'excellentes lignes de basse comme sur Silence of the night, des basses simplement excellentes ici et de bons passages vocaux, très bien adaptés à la musique offerte. Beaucoup moins connu aujourd'hui, même les 3 albums ont été publiés sur CD, celui-ci est livré dans un très joli digipack de couleur marron émis par Second battle label à la fin des années 90. Du son solide, de bonnes compositions de ce trio, de jolies idées, quoi d'autre un album à avoir dans ta collection, j'aime beaucoup ce que j'ai entendu ici et à cause de ça 4 étoiles facile, à coup sûr leur meilleur album des 3 sorties Ils se sont dispersés à la fin de l'année 1972. Ils ont eu une brève réunion en 2001 mais sont passés inaperçus auprès d'un plus large public. Recommandé une belle tranche de psych heavy rencontre hard rock. Ils ont eu une brève réunion en 2001 mais sont passés inaperçus par un plus grand public. Recommandé une belle tranche de psych heavy rencontre hard rock. Ils ont eu une brève réunion en 2001 mais sont passés inaperçus par un plus grand public. Recommandé une belle tranche de psych heavy rencontre hard rock.

Pochette : Frrank Carson. Cliff Davies - batterie Dennis Elliott - batterie JW Hodgkinson - chant, percussions John Mealing - piano , orgue Dick Morrissey - saxophones , flûte , voix Dave Quincy - saxophones Jim Richardson - basse Terry Smith - guitare Dave Wintour - guitare électrique et guitare acoustique , basse, chant Contrairement aux trois premiers albums du groupe, "If Waterfall" n'est pas sorti en Amérique du Nord, apparemment en raison de problèmes de gestion et de contrats. Plus tard la même année (1972), cet album apparaît à sa place dans ces territoires. Comme on peut le voir sur la liste des chansons, pas moins de quatre titres de cet album sont également apparus sur "If Waterfall" avec deux ("You in your small corner" et "Svenska Soma") étant remplacés par "Paint your pictures" et "Ne jetez pas d'ombres". L'ordre des morceaux est aussi complètement différent, avec "Sector 17", qui semble avoir été un peu reculé, perdant sa place de tête dans la chanson titre de cet album. Les deux nouvelles pistes ont été enregistrées par un alignement légèrement différent avec une nouvelle section rythmique et sans John Mealing. Le ré-ordonnancement des morceaux signifie que l'album débute à un début beaucoup plus satisfaisant, avec deux tranches de jazz rock dans le visage ("Waterfall" et "The light still shines") fournissant un effet serré, alimenté en cuivres, qui attire l'attention. 10 premières minutes ou plus. "Paint your pictures" est l'un des deux titres uniques de cet album. La chanson s'appuie sur le côté blues du groupe, le rythme de soutien simple soutenant une pause de guitare prolongée et de bons cuivres. D'après le travail des claviers, il semblerait que John Mealing ait en fait toujours été là pour cet enregistrement. "Cast No Shadows" a un son distinctement comme dans le chant de Roger Daltrey. La piste a d'ailleurs plus en commun avec Chicago que BS & T, rappelant que «quelqu'un sait vraiment quelle heure il est» (à ces oreilles au moins!). L'album se termine par "Throw Myself to the Wind", un simple numéro de roLa réédition de l'album en 2003 a trois pistes bonus. Les deux premiers sont un côté A et B qui contenait une version éditée de "Waterfall" et "You in your small corner"ck jazz avec un rythme de frappe.

Armando Busich - artwork Joe Ravetz - photographie Ron Bushy - batterie Darryl DeLoach - tambourin , chant Doug Ingle - orgue , chant Jerry Penrod - basse , voix Danny Weis - guitare Heavy n'est pas mauvais pour les débuts d'Iron Butterfly. C'est inégale ... certains gagnants mais surtout des perdants. Le groupe a déjà eu son style unique depuis le début, vraiment pas de modifications pour leurs prochains albums. Le dessin évident de leur musique est le jeu d'orgue de Doug Ingle et le ton unique de Mosrite du guitariste. Sur une note de côté, Danny Weis a d'abord eu ce ton et l'a ensuite montré à Eric Brann. Parmi les faits saillants, citons la "Possession" et la "puissance inconsciente". "You Can not Win" est un basique 4/4 basique. Vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec ça. "Fields of Sun" correspondrait mieux à leur troisième album, Ball. Le pont me rappelle quelque chose de cet album. J'aime le chant de falsetto bizarre avec ça. 4 bonnes chansons jusqu'à présent. Maintenant pour les mauvaises pistes. "Get Out My Life Woman" a une intro d'orgue directement de la boutique de jouets, puis la chanson prend soudainement la forme d'un blues rock lent et excitant. "Doux comme il peut sembler" est aussi simple que vous pourriez demander. Ceux "viennent ici femme!" les bits sont croissants. "So-Lo" est plutôt étrange. Le riff principal est une mélodie staccato vers le bas qui se sent genre de kiddie / saccharine, encore plus pendant les ponts. Les choeurs ne sont pas appropriés pour la chanson, et Doug devrait avoir chanté lead. "Stamped Ideas" est une pure tranche de remplissage, pas de substance. Les paroles sont débiles et l'air médiocre. C'est écoeurant. Quel soulagement la prochaine piste sera ... Le plus grand succès de l'album, et la plus grande réalisation du groupe, est le thème instrumental "Iron Butterfly Theme", qui transmet la naissance, la vie et la mort d'un papillon. Cette gloire couronnée est remplie du son remarquable de la guitare de Mosrite pour laquelle IB est noté, réverbéré et sauvage. Le refrain présente le chant fantomatique de Doug. Il se termine par une note d'organe répétée qui semblerait indiquer un battement de cœur en train de mourir, puis elle se stabilise.

Photography By [Cd Back Cover Photo] – Bill Homdell Photography By [Deep Purple Photo] – Fin Costello Photography By [Front Cover Photo And Road Photo] – Bruce Payne. - Ian Gillan (chant) - Steve Morse (guitare) - Don Airey (claviers) - Roger Glover (basse) - Ian Paice (batterie) "Bananas", derrière son titre et sa pochette débile, marque un véritable tournant dans la carrière de DEEP PURPLE : c’est le premier album du groupe sans l’immense, le légendaire, Jon Lord ! Lui qui a toujours incarné le noyau dur du groupe, présent jusque là sur tous les albums. Guère satisfait par "Abandon", Jon Lord s’était en quelque sorte offert un départ en beauté avec le réenregistrement live de son "Concerto For Group And Orchestra" en septembre 1999, même si officiellement il ne quitta le groupe qu’en 2002, fatigué des incessantes tournées. Car c’est effectivement à cette époque que DEEP PURPLE fut devenu un groupe en tournée permanente, où le live semble prendre totalement le pas sur le travail studio. Jon Lord fut donc remplacé par Don Airey, un musicien de la même génération que les autres membres de PURPLE et au CV imposant faisant état d’un univers musical totalement idoine aux aspirations du groupe. Un choix plus que logique, sans prise de risque. Rapidement, DEEP PURPLE se met au travail et enregistre cet opus à Los Angeles. Outre l’intronisation de Don Airey, le grand changement de ce disque c’est surtout la collaboration avec le producteur américain Michael Bradford, qui impose sa vision artistique, ce qui surprend pour un groupe qui ces dernières années se produisait lui-même. Bradford apparaît en tant que co-compositeur sur quelques titres, joue un peu de six-cordes et surtout il formate totalement l’album selon ses désirs ! Ce choix de production est on ne peut plus critiquable, et fait à mon sens partie des multiples erreurs commises par DEEP PURPLE durant sa longue carrière. Bradford a orienté l’album afin qu’il soit conforme au format des radios américaines. Résultat : un son très policé, des titres semblant raccourcis qui ne peuvent donc exploiter tout leur potentiel, et l’apport d’éléments musicaux plutôt propre à la culture américaine, expliquant sans doute au passage le manque d’impact de cet album en Europe (choix totalement contreproductif étant donné que le public de PURPLE est bien plus important sur le vieux continent). Et dès le premier titre, tout cela coince : "House Of Pain", dont la paternité revient largement à Bradford, est une entrée en matière désastreuse, une parodie PURPLienne dont le refrain horripile. Et dans le genre, il n’est pas le seul sur cet album. On pensera immédiatement à "Razzle Dazzle", titre au riff tragiquement comique et au refrain totalement tarte ; ou encore la ballade "Haunted", une mièvrerie gluante, seul morceau du groupe agrémenté de la présence d’une choriste, mauvaise idée s’il en est tant le résultat est à la fois ultra bateau et médiocre. En fait, toute la première partie de l’album est à jeter, à l’exception notable de "Sun Goes Down", qui nous réserve un moment nettement plus ambiancé et sérieux. A partir de "Silver Tongue", le groupe s’engage dans une voie Hard Rock plus classique. Tant mieux. Mais ça ne décolle toujours pas vraiment, d’autant que la bien trop longue ballade bluesy "Walk On" nous endort à mi parcours. Encore une parfaite illustration des mauvais choix artistique qui émaillent ce disque : tous les titres sont globalement circonscris pour ne pas dépasser une certaine durée, sauf "Walk On" qui lui aurait mérité d’être élagué ! Heureusement, que "Picture Of Innocence" et "I Got Your Number" viennent nous sortir de notre torpeur. Enfin l’album démarre vraiment, il était temps ! Rien d’original ni de vraiment marquant, mais juste de bons morceaux rock, assez énergiques et virevoltants, et plus agréables que le matos d’"Abandon", car plus légers, avec un Steve Morse que l'on sent plus à son aise. Et l’on gardera le meilleur pour la fin. "Never A Word" rappelle les sonorités acoustiques de "Purpendicular", mais le morceau se termine abruptement avant même d’avoir réellement commencé, bon tant pis, mais ça s’écoute bien. Le title track est un moment de Hard Rock PURPLien classique s'achevant sur une bonne partie instru laissant de la place à Morse et Airey pour s’exprimer, très appréciable. Et puis "Doing It Tonight", la seule banane bien mûre du lot, offre enfin un peu d’originalité sur ce disque, enfin Gillan nous sort une ligne de chant marquante, rhaaa ça fait du bien. En plus le tout se conclut par un instrumental poignant de la part de Steve Morse ("Contact Lost"), hommage aux astronautes de la navette Columbia qui avait explosé en vol peu de temps auparavant, bien trop court cependant, mais qui permet au moins à "Bananas" de réussir sa sortie. Plus agréable qu’"Abandon" car ayant mis de côté les gros riffs lourdingues et se montrant plus varié musicalement, "Bananas" demeure cependant assez raté. Le choix de Michael Bradford en tant que producteur était une erreur manifeste tout à fait regrettable. Indiquons également que ce fut durant les sessions de Bananas que fut enregistré l’excellent instrumental "The Well Dressed Guitar", très souvent joué en live, mais il sera finalement écarté alors qu’il aurait largement rehaussé l’intérêt de ce disque. Bien que "Bananas" se laisse écouter, on pouvait à cette époque largement se poser des questions quant à l’intérêt du groupe de continuer de publier des productions en studio. Si Don Airey ne saurait véritablement souffrir de critiques (après tout, il donne tout son intérêt à un titre comme "Sun Goes Down"), on ne peut pas dire qu’il fut intronisé de façon aussi mémorable que Steve Morse.

Illustration [Logo] – Glenn Dean. Photography By – George Bodnar, Mick Gregory. - Ian Gillian (chant) - Ritchie Blackmore (guitare) - Jon Lord (clavier) - Roger Glover (basse) - Ian Paice (batterie) DEEP PURPLE nous avait donc quitté en 1976 à l'issue d'une tournée au final pathétique. Le split était couru d'avance : une partie du public leur avait déjà tourné le dos et les carrières de RAINBOW et GILLAN promettaient du lourd (et l'on ne fut pas déçu). Mais DEEP PURPLE restait un groupe de légende, surtout concernant le line-up Mark 2. Nombreux étaient donc ceux qui rêvaient d'un retour de cette formation, et au diable les incompatibilités d'humeur entre Blackmore et Gillan ! Si Blackmore menait très bien sa barque et venait de sortir un "Bent Out Of Shape" d'excellente facture, il n'en était pas de même pour Gillan qui faisait désormais n'importe quoi (mettre un terme à son excellent groupe solo pour chanter chez BLACK SABBATH, vous le croyez vous ?). Les maisons de disques et autres managers aux dents longues poussèrent les deux têtes de cochons à enterrer la hache de guerre, fleurant le bon coup commercial. Blackmore sentait déjà depuis un bail que l'herbe serait plus verte avec le Pourpre Profond plutôt qu'avec son Arc-en-ciel, l'espoir de gagner quelques brouettes de biftons supplémentaires suffirent à le convaincre de saborder son propre navire, emmenant bien sûr avec lui le père Glover (toujours dans les bons coups celui-là) ! Du côté de Lord et Paice, réduits à jouer les guests de luxe dans leurs groupes respectifs, la partie était gagnée d'avance. Le DEEP PURPLE de légende fut donc de retour en cette année 1984, clairement LA reformation de la décennie, la plus attendue, un événement immanquable pour n'importe quel fan de Hard. Les espérances étaient énormes vis-à-vis de ce père fondateur, alors que l'époque voyait un déferlement de groupes de Hard, de Heavy, de Speed, tous largement inspirés par le Pourpre. "Perfect Strangers" est donc la nouvelle offrande de cette légende ressuscitée. Et ça commence fort, très fort, "Knocking At Your Backdoor" est une entame de choix ! Le groupe opte pour une intro qui fait monter la pression, à l'instar de celle de "Speed King" d'illustre mémoire, sauf qu'ici il ne s'agit pas de la guitare en ébullition de Blackmore, mais d'un motif rampant, allant crescendo, avec Jon Lord aux commandes : jusqu'à l'explosion du riff de Blackmore (et voilà, un nouveau grand riff dans son répertoire !). Ça ne pouvait pas commencer d'une meilleure manière : "Knocking At Your Back Door" est un classique instantané aux paroles salaces (du Gillan tout craché), qui remet aussitôt le groupe sur de bonnes rails. On est donc rassuré d'emblée quant à l'intérêt de cette reformation ! "Perfect Strangers" ne contient aucun mauvais morceau, tout au plus on pourra considérer "Nobody's Home" comme étant légèrement en-dessous du reste, avec ce titre qui sent bon les 70's. Une homogénéité que seul "Machine Head" était jusqu'à présent parvenu à atteindre. L'alchimie dans le groupe est de retour, c'est une évidence. Alors certes, le tout sonne moins aventureux, un peu plus formaté, sans doute l'époque qui voulait ça. Mais peut-être est-ce aussi le résultat d'une volonté des Anglais à ne pas demeurer sur la touche dans la course à la violence qui caractérise le Hard et le Heavy de cette décennie ? Les membres du groupe diraient certainement le contraire mais quand on entend la guitare ultra heavy de Blackmore sur le refrain de "Mean Streak" ou l'excellent "Gypsy Kiss" sur lequel Ian Gillan nous sert des couplets rageurs on peut se poser la question. Et même si la folie 70's n'est plus d'actualité (exit évidemment tout ce qui se rapproche de près ou de loin au Funk), le groupe n'en oublie pas de varier les plaisirs, ce qui l'a toujours caractérisé. Ainsi, la ballade "Wasted Sunset" est une belle réussite : on s'agenouille devant le feeling de Blackmore qui s'exprime mieux que jamais, fort de son expérience au sein de RAINBOW. Le riff obsessionnel de l'autobiographique "Hungry Daze" est tout aussi irrésistible. Et l'on ne saura que trop conseiller la version CD de l'album qui contient le très heavy "Not Responsible" et un superbe instrumental de 10 minutes, "Son Of Alerik", totalement dévoué à Ritchie, sur lequel tout est question de sensibilité. Bien sûr, impossible de parler de cet album sans évoquer son title track : "Perfect Strangers" s'impose comme un classique incontournable, un riff très lourd, une ambiance orientale qui ne fait pas kitsch (défaut dans lequel sombre régulièrement les groupes de Hard qui s'adonnent à cet exercice), et un Gillan qui survole le tout. DEEP PURPLE est donc au taquet sur cet album. S'il apparaît évident qu'il s'agit d'une reformation pour le fric, elle est loin d'être vaine artistiquement. Tout le monde y apparaît particulièrement motivé, notamment un Jon Lord qui ne déçoit jamais : sans surprise il est parfait avec son orgue Hammond, mais il parvient aussi à manipuler ses synthés de façon pertinente en étant très loin de sonner comme un groupe de Hard FM lambda des années 80. Le seul point d'interrogation est la performance de Ian Gillan. Bien que sa prestation soit de très bonne qualité, il est évident que le chanteur a perdu de ses capacités vocales : à force de brailler comme un damné avec GILLAN et SABBATH, ses cordes vocales en ont pris un coup, et plus jamais il ne pourra pousser des screamings aussi hauts et puissants qu'il le faisait par le passé (au sein de PURPLE en tout cas, car ce coquin gardera quelques réserves de scream pour ses albums solos !). D'autres pourront critiquer le son de l'album, la production, tout ça. Et oui, le son est plutôt années 80, c'est vrai. Mais ça ne sonne pas comme un album d'AOR pour autant, et on est bien loin aussi des derniers RAINBOW dont cet album se démarque clairement. Cette production est tout à fait adaptée aux compositions et à vrai dire, il s'agit tout simplement à mon sens d'une des meilleurs prod qu'ait eu DEEP PURPLE. "Perfect Strangers" est donc un très bon album de reformation, largement de quoi rassasier toutes les attentes, et se posant d'emblée comme une pièce de choix au sein de la discographie du groupe. Comme quoi, on peut se reformer avec des intentions par forcément louables, ça peut quand même donner du très bon. Mais la tournée qui suivra, sera malheureusement loin d'être à la hauteur de cet album...

illustration : Nesbit, Phipps et Froome. photographie : Fin Costello. - David Coverdale (chant) - Ritchie Blackmore (guitare) - Jon Lord (orgue) - Glenn Hughes (basse, chant) - Ian Paice (batterie) L’un des succès majeurs du groupe qui voit pour la première fois son line up légendaire réunit, David Coverdale et Glenn Hugues rejoignant la rubrique crédits de la pochette. C’est une pièce tiraillée entre rock dur et blues brumeux qui nous est proposée, une série d’hymnes partagés entre les affres d’une époque troublée et les aspirations idéalistes d’une jeunesse occidentale sur laquelle souffle un vent de révolte. Le résultat musical est hautement paradoxal : dépouillé mais varié, à la fois technique et naturel, tantôt enjoué, tantôt dépressif. Riff brûlant rapide, lignes pianistiques en volutes et percussions survitaminées : tels sont les ingrédients du morceau d’ouverture, ‘Burn’, resté dans les mémoires pour les accords nostalgiques de son somptueux passage intermédiaire. Un son de guitare unique anime cette séquence : clair et caressant, pour 2 minutes vibrantes reprises par un chorus majestueux qu’on souhaiterait ne jamais voir s’arrêter. Les premiers accords sévères de ‘Sail away’ ont eux aussi un effet immédiat. Cette piste est devenue un des passages obligés de par ses riffs légers et dynamiques évoluant aux côtés d’un chant doublé enivrant. La musique de Deep Purple est rarement joyeuse, elle n’en distille pas moins une atmosphère positive, propice à l’embrasement d’une piste de danse; la faute à ses claviers aujourd’hui irrésistiblement rétros (‘Might just take your life’). ‘You fool no one’ et son intro estampillée années 70, basse tourbillonnante et batterie explosive semblent décidés à nous extraire de l’état lascif où ‘Sail Away’ nous avait plongé. Solo rapide et taping enjoué auront tôt fait d’entraîner vos cuisses dans de frénétiques et incontrôlables mouvements vibratoires. Les tonitruants ‘Burn’ ou ‘You fool no one’ côtoient le plus apaisant ‘Mistreated’ au tempo traînant pourvu d’un instrumental cinglant et porté par une voix implorante. Sans structure prévisible ni annonce, n’obéissant à aucune règle de format, les séquences ne se télescopent pourtant jamais et chaque pièce progresse avec fluidité. La sensation générale de légèreté, d’improvisation parfois, doit beaucoup aux moyens de production et de mixage de l’époque. Rugosité du son de guitare dans les graves qui sait se faire très perçant dans les aigus, c’est aussi une voix principale au timbre naturellement cassé, idéal tant dans les moments de chaude mélancolie que ceux de transe psychédélique. L’album ‘Burn’ évoque naturellement l’amour. Ses joies et turpitudes. Parfois languissant ou torturé à l’image de ‘Mistreated’ et son chant de velours si spontané, des titres plus directs et piquants savent aussi trouver leur place tels le mid tempo ‘Might just take your life’ ou ‘What’s going on here’ aux solis guitaristiques prolongés et entetânts sur lignes pianistiques de cabaret. Une bizarrerie au titre tout aussi singulier clôt l’album (‘« A » 200’). Claviers technoïdes et roulements de batterie montant pompeusement en intensité. La guitare y prend la parole pour une démonstration technique narcissique du plus bel effet. 8 titres figurent sur ‘Burn’. Ils illustrent à eux seuls une époque, un état d’esprit, un style musical inimitable et confèrent des sensations qu’aucun autre ne m’a jamais procuré. Vous l’aurez compris, il est l’un de ceux que « j’emmènerais sur une île déserte ». Profond, coloré, il se redécouvre à chaque écoute. Et si les messieurs profondément violet régalent encore aujourd’hui les foules de leur art, aussi bien en studio que sur scène, c’est simplement car leur musique est pourvue d’une âme. ‘Burn’ servira ainsi de manuel pour comprendre cette légende vivante.

Illustration – Joe Garnett. - David Coverdale (chant) - Ritchie Blackmore (guitare) - Glenn Hughes (basse) - John Lord (claviers) - Ian Paice (batterie) Après le départ de Gillan et Glover de la formation mythique du pourpre, les fans s'inquiétaient grandement de ce qu'allait devenir Deep Purple avec un chanteur et un bassiste inconnus pour beaucoup (malgré le passé de Glenn chez Trapeze). Cette inquiétude fut rapidement dissipée avec la sortie de "Burn", chef d'oeuvre incontestable. L'influence bluesy dû à l'arrivée des nouveaux membres colle très bien et l'inspiration est encore présente. Le public pouvait alors attendre beaucoup de cette nouvelle formation qui semblait en avoir encore pas mal sous le pied mais ce ne fut pas le cas... Ce qui frappe tout d'abord, c'est l'accentuation du côté bluesy apporté par les deux nouveaux compères, le père Ritchie leurs laisse une part bien plus importante dans la composition de l'album. Ce qui n'est pas un mal mais celui ci en fout de moins en moins. Apparemment notre mister Ritchie "tête-de-lard" a déjà des projets futurs dans la tête. On sent considérablement son manque d'envie tout au long du disque: on l'entend de moins en moins, il intervient peu et ses solos sont courts ou peu inspirés (voir inexistants)... Il s'emmerde dis donc !! Bien sur, ce n'est pas parce que le grand Blackmore ne fait plus grand chose que le pourpre perd tout son intérêt, au contraire, même ici cela permet de voir la capacité et l'inspiration des autres membres du groupe: ceux-ci occupent davantage de place dans la composition de cet album. Les ambiances spécifiques des claviers de Lord présentes sur "Burn" le sont de plus en plus sur "Stormbringer", dès le titre éponyme cela se fait sentir. Fini les gros bruits d'orgues, assourdissants pour certains, et place aux sonorités spéciales et variées, donnant un air soul à cet album ajouté à la voix bluesy de Coverdale. Album qui est quand même dans l'ensemble assez "mou du genou", il faut bien l'avouer. La perte de pas mal de sonorités violentes de l'orgue de Lord et la perte de présence de Ritchie donne à cette galette un côté assez soft. Les titres "Stormbringer", "Lady Double Dealer" et "High Ball Shooter" sont les titres les plus "agressifs"... C'est pour dire ! Par contre, les deux premiers morceaux que j'ai cité sont très réussis, donnant un petit sursaut à l'ensemble assez cool; A contrario, ce "High Ball Shooter" est un titre banal et peu inspiré, dommage. Autre réussite de cet album: "Hold on", qui, avec l'ambiance la plus soul de l'album, est vraiment très agréable à écouter; Ritchie y place un solo intéressant, vraiment calé avec le reste. Les deux derniers titres terminent l'album d'une façon posée: "The Gypsy", très cool, et une ballade mélancolique, ma foi superbe, "Soldier of Fortune" cloture l'album de la plus douce façon qu'il soit.

Cover : Roger Glover, John Coletta. Photographie : Fin Costello. - Ian Gillan (chant) - Ritchie Blackmore (guitare) - Jon Lord (orgue) - Roger Glover (basse) - Ian Paice (batterie) Il est rare qu'un groupe sorte des disques excellents régulièrement, même les plus grands ont eu des hauts et des bas. Le pourpre n'échappera pas à la règle. Il y a pourtant de quoi sortir de l'année 72 de façon très sereine pour le combo anglais: un album et un live entrés dans la légende (le parfait "Machine Head" et l'indétronable "Made In Japan"). Les productions sorties au début des années soixante-dix auront fait du groupe une des références de la décennie et même du rock en général, Deep Purple est sur un petit nuage et le succès est à son apogée. Pourtant, l'entrée dans l'année 73 n'est pas si joyeuse que ça... Je vous rappelle que Deep Purple est le groupe avec le line-up le plus stable de l'histoire (pointe d'aigre ironie). Il ne faut pas oublier que Deep Purple est synonyme de "comment faire un groupe sans pouvoir se blairer", tout un art. L'enregistrement de l'album s'est fait en deux fois, avec bien sur des tensions qui sont devenues une sorte de marque de fabrique du groupe. Les enregistrements ont été réalisés entre deux tournées, le premier à Rome un mois avant de s'envoler au Japon (pour y enregistrer le célèbre live) et le second à l'automne 72, en Allemagne, le disque sortant en mars 73. Les conflits sont tels que Gillan à pour projet de quitter le groupe, il doit tout d'abord boucler l'enregistrement de l'album et finir les tournées prévues. Les conditions pour enregistrer cet album ne sont donc pas les meilleures. De la façon dont le disque est lancé, on ne peut pas se dire que le pourpre est en proie à des tensions. "Woman From Tokyo" est un titre imparable et bien foutu, c'est une perle. Il n'est pas étonnant qu'un tel titre ai été enregistré peu de temps avant leurs dates au Japon, c'est le seul de l'album retenu dans la session d'enregistrement d'été 72. Par la suite il est clair que le groupe avait perdu toute envie de continuer la mk2: beaucoup de titres ne sont pas vraiment à la hauteur des précédents albums. On peut tout de même en sauver quelques uns: le puissant "Smooth Dancer" qui est très gillanien (il ressemble beaucoup à ce que le chanteur fera en solo); l'inspiré "Rat Bat Blue" à la rythmique d'enfer et au génial solo de clavier ; "Mary Long" tient bien la route également... Malgré de très bons titres, il est clair qu'il y a des imperfections sur ce disque qui doivent être dû à l'ambiance en studio (ah les éternelles rivalités entre Ian Gillan et Ritchie Blackmore !). Le blues "Place in Line" ne m'accroche pas du tout, ça ne décolle pas. Le solo de Blackmore y est peut être intéressant, le chant de Gillan est bien calé pour le blues (il se démerde pas mal même) mais le titre n'est pas très intéressant sinon. "Super Trouper" est assez chaotique, ne casse pas des briques et le titre clôturant l'album "Our Lady" est une catastrophe: un titre d'une platitude incroyable qui termine la mk2 de la pire façon possible... Pas vraiment tip-top. Au final ce n'est pas un mauvais album que nous avons là, on y trouve un petit lot d'excellents titres mais aussi des morceaux parmi les plus mauvais de la grande période du pourpre.

Design [Cover Design] – R. Glover Photography By – F. Costello Ritchie Blackmore : guitare ; Ian Gillan : chant ; Roger Glover : basse ; Jon Lord : claviers ; Ian Paice : batterie. Parlez d'un album culte. Dans la légende du rock, ce disque, double à sa sortie (tout tient sur un seul CD, mais l'édition des 25 ans propose un court disque supplémentaire de 21 minutes et 3 morceaux inédits), est à une place de choix. A la droite du Seigneur. Et pour certains même, carrément à la place du Seigneur ! Ce double live offre 76 minutes de pur bonheur hard-rock, et rock tout court, et était vendu, à l'époque, au prix d'un simple album, à la demande express du groupe, Deep Purple. Louable intention qui a permis à l'album d'encore mieux se vendre que s'il avait été vendu au prix fort, les double albums étant, normal, plus chers que les simples (de même que leur coût pour un groupe était plus élevé). Ce disque est live, donc, et a été enregistré en 1972 (année de la sortie de l'album, d'ailleurs), pendant la tournée Machine Head (même année pour l'album), au cours de plusieurs concerts donnés au Japon. Ce qui explique son titre, Made In Japan. Tout est culte ici : le lettrage utilisé, la couleur de pochette (dorée ; l'édition CD double des 25 ans a un code de couleurs inversé, lettrage doré sur fond noir, allez savoir pourquoi), les photos utilisées, l'intérieur de pochette en allusion au drapeau nippon (voir ci-dessous), le tracklisting, les versions des morceaux présentes ici... ainsi que le personnel de Deep Purple à l'époque. Ce disque, le groupe l'a voulu afin de, selon eux, tuer le marché parallèle, les bootlegs du groupe commençaient en effet à fleurir. Deep Purple n'avait pas encore de live officiel dans leur discographie, or il est de notoriété commune qu'un groupe ne commence réellement à être important qu'à partir de son premier live officiel, qui est une sorte de passage obligé. Il ne fallait pas rater ce disque, surtout que les albums studios s'étaient bien vendus (In Rock, Fireball, Machine Head) et que la demande était forte chez les fans. Made In Japan va sortir en 1972 et sera immédiatement accueilli dans la liesse. Avec un disque de plus, la joie aurait confiné au délire. L'album sera immédiatement qualifié de meilleur live jamais sorti, c'était même clairement indiqué sur les affiches publicitaires (voir le livret de la réédition CD des 25 ans), We think it's the best live performance ever made, voilà de quoi mettre les choses au clair de lune à Maubeuge, pas vrai ? Qui plus est, ce live est sincère, tout comme Live/Dead du Grateful Dead : aucune modification studio, aucun réenregistrement, aucun overdub, pas de coupes brutales de passages mal foutus, non, c'est du pur jus pressé à la main avec amour par votre grand-mère, du live brut de décoffrage. Du producteur au consommateur, commerce équitable estampillé Max Havelaar. Par exemple, Ian Gillan estime sa performance ratée, il avait, selon lui, une bronchite, et ne peut pas supporter sa voix sur le live. Force est de constater qu'il déconne sévère, il chante bien puissamment ici, voir son impro vocale à la fin de Strange Kind Of Woman (ou plutôt, au début de Lazy ; enfin, entre les deux titres !). Mais n'aurait-il pas pu réenregistrer ses voix en studio, dans ce cas, s'il n'était pas content de lui ? Que t'chi, il n'a rien touché. De même, Ritchie Blackmore loupe un ou deux accords, il y à des pains assez gros par moments (Highway Star, par exemple, Space Truckin'), mais rien n'a été refait. Ca respire live, comme si on se trouvait sur place. En fait, Made In Japan sonne comme un enregistrement pirate de qualité sonore exemplaire, mais sorti officiellement (les albums pirates n'étaient pas refaits en studio, généralement, c'était rapidement pressé et vendu sous le manteau) !

Cover [Design] – John Coletta, Roger Glover Photography By – Shepard Sherbell Ian Gillan – vocals, harmonica Ritchie Blackmore – guitar Jon Lord – keyboards Roger Glover – bass Ian Paice – drums, percussion 1972 : Deep Purple revient, plus fort, plus grand, plus en forme que jamais ! Machine Head est, pour bon nombre de fans, le meilleur album de Deep Purple. Fort d’un extraordinaire chef d’œuvre (In Rock, sorti deux ans plus tôt), le groupe revient, après un interlude quelque peu perfectible (Fireball), avec le plus célèbre des disques de hard rock. Cette année Deep Purple n’aura pas lésiné pour son entrée en matière, Highway Star est vraiment LE titre qui scotche ! Ca dépote et ça pétarade à un rythme effréné, avec des couplets à la limite du futurisme (tant ce genre de composition est en avance sur son temps), des refrains ravageurs et bien entendu des soli de guitare et de clavier divins. Comment pourrait-on ne pas tomber sous le charme après cette première bombe ? Titre moult fois repris par d’innombrables groupes de metal en tous genres, Highway Star propulse à nouveau Deep Purple au sommet du podium. Et le meilleur dans tout cela, c’est que ça ne s’arrête pas ici… Pictures of Home, Never Before et Maybe I’m A Leo, avec leurs structures impeccables, leur gros son, leurs riffs de grande classe et leur rythme haletant, ne sont pas sans rappeler In Rock, dans un registre plus calme et mélodique, et peut être même plus fin. Ian Gillan délaisse quelque peu ses cris aigus au profit d’une plus grande variété de timbres et de registres vocaux. Comme la qualité est au rendez-vous et que la révolution a déjà eu lieu, impossible de s’en plaindre, et nous sommes une fois de plus en présence de fûts imparables sur lesquels on pourra headbanger comme il se doit en concert. Alors bien sûr, Machine est aussi l’album qui renferme le plus grand tube de Deep Purple… Ah quel apprenti guitariste ne s’est pas exercé un jour ou l’autre à reproduire le riff le plus culte de toute l’histoire du hard rock ? Quel fan n’a pas hurlé le refrain le plus connu de son groupe favori alors qu’il s’agite dans la fosse ? Qui n’a pas ouit au moins une fois dans sa vie cette intro légendaire ? Et quel rocker des 70’s, bercé par ces mélodies de légende, n’a pas ajouté ce vinyle verdâtre à sa collection ?... Smoke On The Water est ce hit interplanétaire, qui a toujours su séduire les foules - au risque d’éclipser le groupe sous son ombre -, une fois de plus repris par une foule de groupes de metal de tous poils tout droit sortis du sillon creusé par le groupe. Comme je l’ais déjà dit dans ma chronique de In Rock, la musique de DP, c’est avant tout du grand art… C’est particulièrement vrai avec un titre aussi beau et énigmatique que Lazy. Mais c’est aussi un grand rôle précurseur, comme le monumental Space Truckin’ pourrait en témoigner. De grands moments de bonheur en perspective, et une fois n’est pas coutume, de véritables fondations pour les générations de groupes à venir. Accompagné de Led Zepelin, Black Sabbath ou encore Alice Cooper, Deep Purple érige déjà le complexe monument qu’est le metal que nous connaissons aujourd’hui… Est-il nécessaire d’en rajouter ? Faut-il vraiment rappeler une fois encore à quel point Deep Purple, avec ce Machine Head, a contribué à changer la face du rock ? A groupe culte, album culte… Et comme le dit si bien Powersylv, "n'en parlez pas, écoutez-le".

Design – Castle, Chappell & Partners Limited Photography By [Chagford Studios] – Tony Burrett Ritchie Blackmore: guitare Ian Gillan : chant Roger Glover : basse Jon Lord : orgue Hammond B3, piano Ian Paice : batterie, percussions La préparation et composition de l'album se fera en partie dans un manoir, The Hermitage, situé dans le Comté du Devon à Welcombe. Mais, selon Roger Glover, à part "Strange Kind of Woman", il ne reste que "Slowtrain" et "Freedom" de ces séances1. Ces deux titres ne feront leur apparition que dans les titres bonus de la réédition 1996. L'enregistrement de l'album se fit sur une longue période allant de septembre 1970 à juin 1971, les séances studios étant constamment entre-coupées par des concerts où des tournées. Il se fera à Londres dans les studios De Lane Lea et Olympic. C'est ainsi que, sous la pression de son management, Deep Purple sortira le single "Strange Kind of Woman" dès février 1971, cinq mois avant la sortie de l'album. Avec succès puisqu'il se classera à la 8e place des charts britanniques2. Sur les versions de l'album sorties aux États-Unis et au Japon, "Strange Kind of Woman" est incluse à la place de "Demon's Eye". A partir de cet album, Ritchie Blackmore abandonnera définitivement sa Gibson ES-335 pour jouer uniquement sur une Fender Stratocaster

Design [Cover] – Edwards Coletta Productions Photography By – Alan Hall , Mike Brown Ritchie Blackmore : guitares Ian Gillan : chant Roger Glover : basse Jon Lord : orgue Hammond, piano Ian Paice : batterie, percussions Avant l'enregistrement de cet album, le pourpre profond engage deux nouveaux musiciens issus d'un groupe obscur, Episode Six. Il s'agit de Roger Glover (basse) et de Ian Gillan (chant). Ce changement de personnel s'accompagne d'un changement musical. Sous l'impulsion de Ritchie Blackmore, la musique de Deep Purple devient bien plus dure, In Rock devient le premier album véritablement Hard Rock du groupe. Et le nouveau style musical du combo pose tout simplement les bases d'un nouveau genre musical, à l'instar du premier album éponyme de Black Sabbath sorti quelques mois plus tôt. Jouer tous les instruments plus fort, à la limite de la saturation, voilà le nouveau créneau du groupe. On le sent dès les premières secondes du premier morceau, assez cacophonique. Et il fallait un grand producteur pour donner un son correct à ce maelstrom instrumental, producteur que le groupe a trouvé en la personne de Martin Birch. L'album est un succès à sa sortie. Il faut dire qu'il contient une poignée de titres incontournables dont le splendide Child In Time. Une chanson longue de dix minutes où Ian Gillan nous montre toute l'étendue de ses capacités vocales, du chant posé aux cris perçants (la version live présente sur Made In Japan est encore plus délirante). La longue montée en puissance du morceau est fabuleuse et le solo du père Blackmore est un petit bijou à lui tout seul. C’est avec des prestations de ce genre qu’il va rapidement obtenir son statut de guitar-hero et rejoindre les Jimmy Hendrix (qui allait disparaître quelques mois plus tard), Jeff Beck, Jimmy Page et autre Eric Clapton au panthéon des plus grands guitaristes de la planète. L'album s'ouvre sur un autre grand classique de Deep Purple : Speed King, un titre qui porte bien son nom car le tempo est rapide. Le son de la guitare de Blackmore est massif. Les solos offrent un échange entre l’orgue de Jon Lord et la guitare de Blackmore. Flight Of The Rat qui ouvrait la seconde face du vinyle est aussi construit sur un riff assez speed. Un titre qui met en valeur le jeu de Ian Paice avec un petit solo de batterie intégré. Le groupe pouvait aussi proposer des morceaux bien plus lourds comme Into The Fire. On sent que l'arrivée des deux nouveaux musiciens, Glover et Gillan, a été un vrai plus pour le groupe car ils sont aussi de bons compositeurs. Et Deep Purple est un groupe qui compose de manière collective. Hard Lovin’ Man avec son riff galopant est encore un grand classique du groupe. Gillan pousse ses fameux cris. Là encore, nous avons droit à un solo diabolique de Jon Lord et puis de Blackmore en fin de titre. De toute manière, sans citer toutes les compos, aucune ne fait tâche. Ajoutons tout de même le single Black Night, absent des éditions américaines et européennes de l'album mais présent sur l'édition mexicaine (???) qui va faire son entrée dans le top anglais, atteignant la seconde place. Il a été depuis ajouté aux versions CD. A l’instar du monument auquel la pochette fait référence, Deep Purple In Rock est un album solide, massif et fondateur. Un des grands albums du Rock, représentatif d’une époque. Essentiel !

Photography By [B/W. Cover Photos] – Richard Imrie - Rod Evans (chant) - Ritchie Blackmore (guitare) - Jon Lord (orgue) - Nick Simper (basse) - Ian Paice (batterie) Décembre 1968 : sortie de "The Book Of Taliesyn" de DEEP PURPLE aux USA. Soit à peine 6 mois après le premier album. C’est dire la cadence infernale du groupe à cette époque ! Cela serait totalement improbable de nos jours, mais c’était assez coutumier en ces temps où l’effervescence Rock battait son plein. À noter que l’album ne sortit qu’en juillet 1969 au Royaume-Uni, ce qui montre bien que le groupe visait avant tout le marché américain, notamment suite au succès du single "Hush". Avec des délais aussi courts entre deux albums, il était évident que "The Book Of Taliesyn" allait s’inscrire dans la droite lignée de son prédécesseur. Et effectivement, tant sur la forme que sur le fond il en est la continuité directe. Mais continuité n’est pas synonyme de stagnation, sur cet album DEEP PURPLE s’améliore à tous les niveaux. En habillant l’opus d’une inspiration médiévale au travers de cette référence à un recueil de poèmes gallois écrit au XIVème siècle, on sent une volonté de se distinguer quelque peu de la masse, d’aller au-delà des références psychédéliques communes à cette époque pour proposer quelque chose de plus ancré dans la culture traditionnelle britannique. Un choix tout de même étonnant pour un album avant tout censé conquérir le marché américain, mais après tout pourquoi pas. Cela constitue peut-être une réponse aux critiques excessives accusant le groupe de n’être qu’un sous-VANILLA FUDGE sans originalité. La structure de l’album est en tout cas identique à celle de "Shades Of Deep Purple", à la différence que l’on commence directement par un morceau chanté et non plus un instrumental. "Listen, Learn, Read On" constitue une excellente entrée en la matière. La matière du Livre de Taliesin dont il est fait mention dans les paroles de ce titre. C’est surtout Rod Evans qui a la part belle ici, avec sa belle voix de crooner sur les couplets, qui contraste avec un refrain autoritaire et injonctif. Rien qu’à l’écoute de ce morceau l’on ne peut qu’admettre que Rod Evans mérite bien plus que de rester dans l’ombre de Ian Gillan, franchement, quelle classe ! Il se taille d’ailleurs une part de lion sur cet album, et notamment sur le formidable "Shield". De loin le morceau le plus surprenant, un univers à lui seul souvent considéré comme le meilleur titre du Mark 1. Ah ce "Shield", tellement difficile à décrire... un morceau intimiste, d’une langueur onirique en résonance avec les paroles. À écouter absolument si l’on se prétend fan du Pourpre, même s’il peut nécessiter plusieurs écoutes pour que l’on soit transporté, mais une fois fait le voyage est inoubliable. Également dans un registre très calme, il reste la ballade "Anthem". Pas vraiment la plus grande réussite de l’album, qui pâtit de la comparaison avec "Shield", mais qui n’en demeure pas moins intéressante du fait qu’elle contient en son milieu un break de musique classique que l’on doit à Jon Lord. Prémices de ses futurs travaux constituant à mêler Rock et musique classique. Ambiance totalement différente avec le single "Kentucky Woman", relecture Hard Rock du hit Folk de Neil DIAMOND, une tentative de refaire un succès à la "Hush". Si le succès de ce dernier ne fut pas réitéré, car moins Pop et mélodique, il n’en reste pas moins très efficace et pêchu, et puis c’est peut-être le premier morceau de Ritchie Blackmore où l’on entend aussi distinctement un de ses riffs signature*, ce n’est pas rien. Dans le genre tout aussi enjoué, l’instrumental jazzy et rapide "Wring That Neck" est le seul titre qui survivra jusqu’à nos jours dans les setlists live du groupe : ce qui résume à dire qu’il s’agit d’un classique et donc d’un incontournable. Enfin, "Exposition/We Can Work It Out" est le pendant de "Happiness/I’m So Glad" du précédent disque. "Exposition" est terrible : une reprise d’une symphonie de Beethoven (et aussi avec des passages de Tchaïkovsky) déployant une puissance phénoménale, une parfaite illustration de toute la force de la musique classique quand elle est adaptée à un format Rock. Un grand bravo à Jon Lord pour ses arrangements. Dommage que sa suite, "We Can Work It Out", reprise d’un tube des BEATLES, ne soit pas aussi mémorable, même si rien de mauvais ici. Dans le même registre, le titre final, "River Deep, Mountain High", est introduit par une adaptation du fameux "Ainsi parlait Zarathoustra" de Strauss, en référence bien sur au film "2001" de Kubrick. Il s’agit encore d’un véritable exercice de style dans l’esprit de VANILLA FUDGE, pour étirer un morceau qui est à la base un Rock’N’Roll sauvage popularisé par Ike & Tina TURNER. Exercice franchement réussi pour DEEP PURPLE. "The Book Of Taliesyn" est donc un album très solide et absolument indispensable si l’on aime DEEP PURPLE. C’est plus qu’une confirmation du potentiel créatif du groupe, puisqu’il surpasse en qualité le premier album. Jon Lord y est brillant, Rod Evans également et les autres ne sont bien sur pas en reste. On sent une envie de Ritchie Blackmore d’en découdre, mais il est encore un peu contenu ici, il devait sans doute ronger son frein. Qu’à cela ne tienne, la bête qui était-en lui allait bientôt se réveiller, et il ne faudra pas attendre "In Rock" pour cela.

Painting [Gatefold Cover Paintings] – Hieronymus Bosch Photography By – David Anthony Rod Evans – lead vocals Ritchie Blackmore – guitars Jon Lord – Hammond organ, piano, harpsichord, backing vocals, strings arrangement on "April" Nick Simper – bass, backing vocals Ian Paice – drums, percussion Tetragrammaton publia l'album dans une pochette rigide, enveloppée d'une illustration segmentée de la peinture de Jérôme Bosch , The Garden of Earthly Delights . L'étiquette a rencontré des difficultés à cause de l'utilisation de la peinture du Museo del Prado , perçue à tort aux États-Unis comme antireligieuse, comportant des scènes immorales, rejetée ou mal stockée par de nombreux disquaires. La peinture originale est dans la couleur bien qu'elle soit apparue sur le LP en monochrome en raison d'une erreur d'impression pour la disposition originale et le groupe a opté pour la garder ainsi. [25]Une autre section de la même peinture Bosch (en couleur) avait déjà été utilisée comme couverture d'album deux ans auparavant par Pearls Before Swine sur leur premier album One Nation Underground . En cette année 1969, DEEP PURPLE continue sur la même cadence infernale, entre tournées, sessions d’enregistrement et publication en juin de cet ultime album du line-up d’origine. Mais le groupe sentant le vent tourner, le succès de "Hush" paraissant déjà loin, LED ZEPELLIN ayant sorti son premier album, il décide de faire quelque peu évoluer sa musique. Si "The Book Of Taliesyn" se contentait de suivre le schéma du premier album, il n’en sera pas de même pour cet album éponyme. DEEP PURPLE muscle son Rock et ne propose qu’une seule reprise, on sent une indéniable volonté de renouveau. "Deep Purple" prouve que "In Rock" n’est pas sorti de nulle part et que considérer ce dernier comme le premier vrai album du groupe est tout simplement un non-sens ridicule. On a donc affaire ici à un véritable album de transition, qui voit le groupe s’éloigner de ses influences psychédéliques et de leurs idoles de VANILLA FUDGE (ce qui valait mieux vu que ce groupe américain était largement en perte de vitesse à cette période). Certains considèrent cet album comme le meilleur du mark 1, très certainement pour son côté plus Hard Rock, avis que je ne partage pas, cet opus souffrant quelque peu de ce statut transitoire. Un signe d’ailleurs : plus aucun de ses morceaux ne sera joué en live après 1969. "Chasing Shadows", compo signé Paice et Lord, ouvre l’album avec une rythmique quasiment tribale. Bon titre en soi mais qui laisse un certain goût d’inachevé. L’auditeur sera bien plus captivé par le second morceau, ce "Blind" qui demeure quant à lui unique au Mark 1, très beau morceau enveloppé par des sonorités de clavecin, qui donne cependant un peu l’impression d’être un succédané de "Shield". S’en suit "Lalena", unique reprise de l’album, une ballade très calme et plutôt jolie mais à vrai dire pas franchement mémorable. Une première partie d’album assez variée donc mais qui manque peut-être un peu de punch. Je disais pourtant que DEEP PURPLE musclait son propos sur cet album, en fait cela se manifeste surtout à partir de "Faultline/The Painter". Vous me direz, encore un double titre avec intro grandiloquente voire pompeuse, et bah pas vraiment en fait. "Faultline" étant assez insignifiant en comparaison des "Exposition" et "Happiness", pas mauvais mais tout à fait dispensable. Ce qui n’est pas le cas de "The Painter" qui à bien des égards ressemble beaucoup à un brouillon du fameux "Strange Kind Of Woman", c’est assez évident sur l’intro très similaire entre ces deux morceaux. Du Hard Rock solide encore avec enchaînement "Why Didn’t Rosemary?" et "Bird As Flown". Sur ces morceaux, imaginez Ian Gillan à la place de Rod Evans et vous avez tout du Mark 2. Tout y est déjà sur ces deux titres qui auraient largement eu leur place sur le sous-estimé "Who Do You Think We Are". On sent un Ritchie Blackmore qui se fait plaisir, ces titres ce sont les siens, et enfin il s’impose pleinement. Rythmiquement il s’éloigne un peu de ses tics HENDRIXiens, en revanche il en fait des tonnes à la wah wah, laquelle agrémente systématiquement ses soli. Reste le cas "April", le titre ambitieux de l’album. Avec ses 12 minutes au compteur, son caractère progressif, il y aurait beaucoup à en dire. Divisé en trois parties distinctes dont les deux premières sont entièrement instrumentales. 1ère partie : un instru très MORRICONE-ien qui fonctionne à merveille. 2ème partie : Jon Lord est seul aux commandes pour cette composition classique de son cru. 3ème partie : un Rock plutôt pas mal, assez mélancolique, qui vaut surtout pour le solo final de Ritchie Blackmore qui s’achève malheureusement sur un fondu agaçant. Chaque partie prise séparément est intéressante, la première étant sans doute la plus réussie, mais l’ensemble manque de cohérence et on a finalement l’impression que ça ne tient pas toutes ses promesses. Un groupe comme URIAH HEEP fera bien mieux deux ans plus tard avec "Salisbury". Mais reconnaissons l’audace de DEEP PURPLE. Si on ne tient pas là un "Child In Time" oublié, "April" n’en reste pas moins un morceau témoignant de toute la qualité et la créativité de cette formation. Véritable échec commercial, ce troisième album de DEEP PURPLE est donc celui de la fin d’une époque (qui ne dura même pas 2 ans !). Ritchie Blackmore voulait durcir encore plus la musique du groupe, et il est assez évident à l’écoute de cet album que Rod Evans ne pouvait convenir plus longtemps. Lui qui avait montré de très belles choses sur "The Book Of Taliesyn" atteint clairement ses limites sur les titres les plus énergiques de cet album éponyme. Rien d’étonnant à ce qu’on lui indiqua sans ménagement la porte de sortie. Ian Gillan fut alors recruté en douce avant même que Rod Evans n’en fut informé. Gillan imposa la venue de son bassiste Roger Glover, évinçant sans pitié le pauvre Nick Simper. Des méthodes qui n’ont rien de celles de gentlemen britanniques et qui s’apparentent plutôt à celles d’affairistes sans scrupules… Ce qui n’empêchera pas DEEP PURPLE d’entrer dans la légende.

Illustration, Artwork, Design – Satori Photography By [Individual Photos] – Laurie Lewis Photography By [Live Photos] – Ross Halfin - Rick Allen (batterie,choeurs) - Phil Collen (guitare,choeurs) - Joe Elliott (chant) - Steve Clark (guitare,choeurs) - Rick Savage (basse,choeurs) On parle en France de Hard FM, et c'est l'aspect radiophonique qui a dirigé dès les premiers jours de conception la composition et l'enregistrement de "Hysteria". Tout commence peu après la tournée "Pyromania". Les cinq membres, revigorés par la place qu'a su se faire Phil Collen, comptent sur leur sixième membre officieux, Mutt Lange, pour gravir encore un échelon et les aider à surpasser "Pyromania". Ça s'annonçait déjà difficile même en admettant que le plan se déroule sans accroc. Malheureusement, Mutt Lange va faire défection : trop surmené par son boulot depuis plusieurs années, il a la nécessité de faire un break. Le compositeur Jim Steinman est appelé en renfort et si le groupe avait vraiment un état d'esprit Hard Rock, sans aucun doute que "Hysteria" aurait plus sonné comme "High'N'Dry" que comme le futur "Adrenalize". Jim Steinman veut capturer le feeling Rock'N'Roll du groupe et lui faire retrouver sa spontanéité alors que DEF LEPPARD souhaite continuer à sophistiquer sa musique. Jim Steinman est viré suite au mixage d'une version de "Don't Shoot Shotgun" qui ne satisfait pas ses géniteurs. C'est alors qu'un drame personnel va toucher profondément le groupe : Rick Allen passe à travers le pare-brise de sa Corvette pendant les fêtes de Noël 1984, la faute à une ceinture de sécurité mal bouclée, et perd l'usage de son bras gauche, d'abord regreffé puis définitivement amputé. Même s'il est d'un naturel positif, il s'inquiète bien vite de son avenir au sein de DEF LEPPARD. Pensant pouvoir grâce à son pied gauche reproduire ce qu'il ne peut plus faire avec sa main, il entreprend de se faire fabriquer un kit de batterie électronique avec l'aide et l'encouragement de Jeff Rich (STATUS QUO) et s'exerce dans un studio à part (le groupe louera les services de trois studios, dont celui des Dames à Paris). Le groupe est au plus mal, essuyant les déconvenues en tentant de produire lui-même cet album qui semble ne pas vouloir exister. Et courant 85, Mutt Lange est de retour ! La surprise est de taille et remotive les troupes avant que le producteur ne soit de nouveau hors-jeu après un accident de voiture (décidément) dont il se remet assez vite. C'est ensuite Joe Elliott qui doit soigner ses oreillons courant 1986. Entre temps, DEF LEPPARD retrouve la scène avec Rick Allen au Monsters Of Rock devant une audience réceptive. Le groupe prend alors une décision pas évidente mais sans doute salutaire : ils vont carrément recommencer l'album. Début 1987, les étoiles semblent enfin alignées et Mutt Lange met en œuvre son concept : celui de proposer une version Rock du "Thriller" de Michael JACKSON, où chaque titre serait un tube potentiel (et ce ne sont pas moins de sept singles qui seront extraits de "Hysteria" soit plus de la moitié de l'album). Au bout de trois années de galère, "Animal" devient enfin un hymne et trouve enfin le son adéquat, "Armageddon It" est a priori le dernier morceau que prévoit d'enregistrer DEF LEPPARD, et fin janvier le groupe en a fini, mais rajoute une compo de dernière minute qui, elle, ne nécessitera pas plus de deux semaines de boulot. Et il s'agit du plus gros tube jamais sorti par le groupe – "Pour Some Sugar On Me". Après trois mois supplémentaires de travail pour Mutt Lange, qui a entre autres recours au fabuleux Fairlight extrêmement complexe d'utilisation pour sampler la batterie de Rick Allen et insuffler des touches à la pointe de la modernité dans le son DEF LEPPARD, "Hysteria" voit le jour. Et si les USA mettent du temps à se réveiller au son du Heavy "Women" (l'un de mes titres favoris du groupe, sur lequel la guitare de Phil Collen est divine), la Grande-Bretagne native connaît de mieux en mieux DEF LEPPARD et lui réserve un accueil chaleureux (c'est "Animal" qui assure enfin la renommée au LEP dans sa patrie). Et à partir de là ce sera la folie dans le monde entier, "Rocket" (avec son break bizarroïde extrêmement novateur où le groupe passe des extraits de "Love Bites" et "Gods Of War" à l'envers), "Love Bites" (amené par Mutt Lange comme une ballade country – on voit ce qu'il en est advenu) est une ballade qui parvient à détrôner "Bringing On The Heartbreak", "Animal" caresse joyeusement les ondes et "Hysteria" s'impose comme une pièce-titre d'anthologie. L'album n'a pas pris une ride mais il définit un son de référence que le groupe lui-même réutilisera par la suite et dont il aura même du mal à se défaire (la tentative plus roots de "Slang"). Il est juste dommage qu'il n'atteigne au final pas la perfection de "Pyromania", la faute à quelques titres un peu plus moyens ("Excitable" malgré son riff Hard, "Love And Affection", "Run Riot", sorte de "Let It Go" du pauvre). En outre sa surproduction pourra le rendre difficile à digérer pour certains, d'autant que l'album est incroyablement long pour l'époque (un peu plus d'une heure). Mais si les gens ont retenu cet "Hysteria" (ironiquement nommé de cette façon par Rick Allen, à la suite du tapage médiatique qui avait entouré son accident) c'est aussi pour toute la légende qui a entouré sa création. Et cela c'est bien la marque des plus grands, d'être capable de casser à nouveau la baraque et pendant un court laps de temps atteindre le but que vous vous étiez fixés à vos débuts dix ans plus tôt : devenir le groupe le plus gros de la planète.

Artwork By [Front Cover Illustration] – Bernard Gudynas Artwork By [Album Sleeve Concept And Design] – Satori Joe Elliott : chant Steve "Steamin" Clark : guitare Phil Collen : guitare Rick Savage : basse Rick Allen : batterie Pete Willis : guitare rythmique Musiciens additionnels The Leppardettes (Def Leppard / Mutt Lange/ Rocky Newton / Wilson-Slesser / Chris Thompson / Pete 'Overend' Watts) : chœurs John Kongos : programmation Fairlight CMI Booker T. Boffin : claviers Dès leur premier album, On Through The Night, les Anglais n'ont jamais caché leur volonté de percer le marché américain. En tournant intensivement là-bas (en ouverture d'AC/DC notamment), ils commencent à s'y faire un nom et sont justement repérés par le producteur des Australiens, Robert John "Mutt" Lange. Celui-ci produit leur second album, High N' Dry dont le titre Bringin' On The Heartbreak tourne pas mal sur MTV. Mais le véritable tournant de la carrière du groupe, c'est avec son troisième album, Pyromania. Un album rempli de hits en puissance dont le premier, Photograph va réussir l'exploit de supplanter le Beat It de Michael Jackson. Ce qui signifie qu'aux States, en cette année 1983, on entendait ce titre sur les radios et on en voyait la vidéo sur MTV autant de fois si ce n'est plus que Beat It. Incroyable quand on pense qu'en France à cette même époque, l'un passait en boucle et l'autre n'a jamais eu le droit de citer... Mais revenons à Pyromania. Car Photograph ne va pas en être le seul single. Foolin', Rock Of Ages et Too Late For Love vont suivre de près. Les ventes de l'album vont exploser et il atteint les six millions de copies écoulées rien qu'aux USA en cette année 1983 (ce qui représente cent mille albums vendus chaque semaine, excusez du peu. Oui, on a un peu perdu l’habitude qu’un album puisse se vendre autant aujourd’hui, à l’époque du téléchargement tout azimut sur internet). Incroyable aussi si l'on compare encore avec les copies vendues en France à cette même époque (on ne va même pas donner le chiffre tellement il est ridicule...). L'album se classera second au Billboard 200 américain, derrière Thriller de Michael Jackson cette fois-ci. Un véritable exploit pour un album de Hard. Alors, qu'est-ce qui a changé entre High n'Dry et Pyromania ? Qu'est-ce qui peut expliquer ce succès fulgurant ? Il faut reconnaître qu’avec son troisième album, la recette musicale de Def Leppard a un peu changé. On ne mettra pas cela sur le compte d’un changement de musicien car si Phil Collen remplace Pete Willis à la guitare, il n’a rien composé pour cet album. Il n’est arrivé que pendant l’enregistrement et Pete est d’ailleurs toujours crédité en tant que guitariste (il a de plus pas mal participé à la composition des morceaux). En revanche, il y a un compositeur de plus crédité sur tous les titres : le producteur, Robert John Lange. Celui-ci a su lisser la musique du groupe pour la rendre plus radiophonique. Et effectivement, si on la compare aux deux albums précédents, la musique du groupe est devenue moins rock'n'roll. Def Leppard s'est éloigné du style d'un AC/DC et s'est rapproché du courant Glam Rock. Les titres sont assez courts dans l’ensemble, pas trop agressifs (le son des guitares a été mixé en retrait) mais restent pêchus tout de même (Rock Rock, Stagefright, Die Hard The Hunter, Action ! Not Words). Le travail principal du groupe (et de son producteur, donc) a porté sur l’impact mélodique des morceaux. La plupart des refrains sont rehaussés de choeurs énormes. Toutefois, le groupe n’est pas tombé dans l’orgie de ballades sirupeuses car on n’en trouve aucune sur cet album. Il y a bien quelques intros assez calmes comme celles de Foolin’, de Too Late For Love et de Die Hard The Hunter mais le reste de ces titres est quand même assez costaud… trop pour être qualifié de ballade. Il est certain que ce côté un peu aseptisé de leur musique a pu faire fuir quelques fans de la première heure mais il est tout aussi certain que cela a permis au groupe d’atteindre ses objectifs. Et de quelle manière ! Comme la pochette prémonitoire de l'album le montrait, le coeur de la cible a été atteint. Pyromania n'a pas seulement été un énorme succès pour Def Leppard. Cet album est aussi considéré comme le déclencheur du succès pour tous les groupes de la vague Glam Metal / Hard FM qui vont suivre (Bon Jovi, Mötley Crüe, Ratt, etc...) Quant à l'ascension Def Leppard, elle n'était pas terminée. Car quatre ans après Pyromania, c’est Hysteria qui enfoncera le clou. Ce sera d’ailleurs l’apogée de leur carrière.

Design [Coverdesign] – Pieczulski*, Kochlowski, Missmahl - Klaus Meine (chant) - Rudolf Schenker (guitare) - Matthias Jabbs (guitare) - Francis Buschholtz (basse) - Hermann Rarebell (batterie La période où sort le neuvième album studio LOVE AT FIRST STING est un période faste pour Scorpions. Le groupe est au maximum de sa popularité, grâce au succès planétaire du précédent opus BLACKOUT. Première partie de Van Halen, inauguration de la toute nouvelle salle de concert parisienne (Bercy, vous connaissez ? ^_^) et Rock in Rio devant un demi-million de personnes. Plutôt qu'à faire un BLACKOUT II, le groupe préfère se montrer moins venimeux, moins agressif au profit d'une certaine sophistication, qui atteindra son paroxysme sur le prochain album SAVAGE AMUSEMENT. Mis à part le tube "rock you like a hurricane" ou "the same thrill" qui aurait pu figurer sur BLACKOUT, les titres sont moins nerveux et le groupe a apporté un soin tout particulier aux compositions, qui gagnent encore en maturité. Bien sûr, l'évolution de la musique aux Etats-Unis avec l'arrivée du hard FM, les premiers succès de Bon Jovi et Cie a influencé même indirectement le groupe qui mise maintenant sur une production classieuse et des compos calibrées radio pour mettre à ses pieds la patrie de l'Oncle Sam. Evidemment, le succès de LOVE AT FIRST STING est dû en grande partie au succès phénoménal de la ballade des ballades, "still loving you", numéro 1 mondial à l'été 1984. Dire que ce titre, écrit il y a quelques années par Rudolf Schenker, avait été laissé de coté car il ne satisfaisait pas le groupe. Le moins que l'on puisse dire, c'est qu'ils ont été bien inspirés en l'exhumant! L'album compte aussi un autre classique, "big city nights", au riff typiquement scorpionnesque. Il contient également une pépite, le somptueux "coming home", qui commence calmement et s'achève en apocalypse.

Photography By [Cover Photos] – Hans G. Lehmann - Klaus Meine (chant) - Rudolph Schenker (guitare) - Uli Jon Roth (guitare) - Francis Buchholz (basse) - Herman Rarebell (batterie) Après le célébrissisme MADE IN JAPAN de Deep Purple, voici le deuxième live mythique enregistré au pays du soleil levant par Scorpions, où le groupe a toujours joui d'une très grosse popularité. Dernier disque avec Uli jon Roth et ultime témoignage d'une première partie de carrière placée sous le signe du hard-rock psychédélique, TOKYO TAPES met en avant l'éblouissante prestation du quintet allemand portée au nue par 50.000 personnes en deux soirées mémorables, les 24 et 27 avril 1978 au Sun Plaza Hall de Tokyo. La fin d'une époque, c'est vrai car demain les LOVEDRIVE, BLACKOUT ou STILL LOVING YOU apporteront leur lot de refrains calibrés et de guitares heavy rigoureuses. Exit le grain de folie typiquement psychédélique qui a marqué leurs débuts avec LONESOME CROW en 72. Le groupe entre en scène avec "All night long" (single inédit sur album studio), avant d'enchainer les titres les plus rapides ("robot man", "speedy's coming", "steamrock fever") et les moments plus calmes, propices aux improvisations comme on peut les retrouver sur deux moments forts du concert : "we'll burn the sky" extrait de TAKEN BY FORCE, "in trance" et "fly to the rainbow", extraits majeurs des albums éponymes. On trouvera également un rescapé du LONESOME CROW, "in search of piece of mind" , excellent titre au demeurant, qui se fond parfaitement avec "fly to the rainbow", en assurant une introduction des plus réussies. Le set est également enrichi de deux standards du rock des 50's, "long tall sally" de Little Richards et "hound dog", un titre du King Elvis. Ainsi que de la reprise d'un air traditionnel japonais "kojo no tsuki", en l'honneur de ce public partciulièrement réceptif ces soirs-là. Malgré tout, je resterai sur ma faim sur trois points: - le premier, et évidemment les goûts et les couleurs ne se discutent pas , c'est qu'en piochant dans leurs cinq précédents albums, il manque pas mal de morceaux que j'adore. Des noms ? "fly people fly", "they need a milion", "life 's like a river", "catch your train", "in your park", "crying days", "the sails of charon"... et la liste peut encore s'allonger. - Deuxième petit chose que me dérange, c'est que "fly to the rainbow" est emputé de sa première partie, ce qui est bien dommage car cela reste une des plus belles chansons des Scorpions mark I. - Enfin, la guitare rythmique de Rudolf Schenker est en retrait par rapport au groupe, on ne l'entend par moment pas du tout ! De toute façon, vous aurez bien compris que la vraie vedette de ce live, c'est évidemment la guitare d'Uli Jon Roth. Dommage, reste cependant un album live magistral, respecté de tous, à commencer par moi.

Design, Photography By – Hipgnosis Klaus Meine – lead vocals Matthias Jabs – lead guitar, talk box, backing vocals Rudolf Schenker – rhythm guitar, backing vocals Francis Buchholz – bass, backing vocals Herman Rarebell – drums, backing vocals Additional musicians on "Lady Starlight" Allan Macmillan – strings and horns arrangements, conductor Adele Arman, Victoria Richard – violins Paul Arman – viola Richard Arman – cello Charles Elliot – bass Melvin Berman – oboe George Stimpson, Brad Wamaar – French horns La couverture de l'album a été créée par Storm Thorgerson de la firme de design Hipgnosis et, comme pour les premières pochettes de l'album de Scorpions, a été controversée. Cependant, contrairement à plusieurs de leurs précédents pochettes d'album, la controverse n'a pas entraîné le remplacement de la pochette par une pochette alternative. Se souvenant de la photo de couverture, Thorgerson remarqua: «C'était drôle, je ne pense pas que nous ayons compris, nous savions qu'il y avait quelque chose de grossier quelque part. Animal Magnetism, c'est tout d'abord une pochette une nouvelle fois osée. Signé du studio Hipgnosis, le visuel montre un homme de dos, une femme agenouillée devant lui, un chien à côté... Coquin n'est-ce pas ? Zoophile, diraient certains, puisque le dos de la pochette suggère que c'est finalement le pauvre animal qui se colle à la fellation sous-entendue... Le contenu de l'album est également de deux natures. Alors que Lovedrive ne comportait que du tube, du tube et encore du tube, Animal Magnetism se veut plus complexe, plus difficile d'accès. Même si l'on navigue ici dans des eaux hard rock, il faut, comme pour les albums avec Uli Jon Roth, accorder à l'opus plusieurs écoutes avant d'en appréhender tous les tenants et les aboutissants. Plus sombre et plus lourd que son prédécesseur, Animal Magnetism pâtit de cette comparaison avec le lumineux Lovedrive. Oh pourtant, l'album ne manque pas de titres tubesques et immédiats. En atteste le morceau d'ouverture, « Make it Real », dont le riff énergique constitue une imparable entrée en matière. Très mélodique et débordant d'ondes positives, ce titre signé Schenker/Rarebell confirme que malgré la pression, SCORPIONS en a encore sous la pédale. Le groupe appuie d'ailleurs très rapidement sur la pédale d'accélérateur, en proposant un « Don't Make no Promises » hargneux et au feeling quasi-punk, signé cette fois de la patte Jabs, qui offre là sa première composition au groupe de Hanovre. Paroles d'une irrésistible drôlerie (une nouvelle fois signées Rarebell, dont la plume croque l'amour vénal avec une justesse délectable), solo lumineux, ce titre peu connu constitue pourtant un des meilleurs moments de l'album. Seul véritable « classique » de l'album (avec « Make it Real »), « The Zoo » en constitue également l'un des morceaux les plus intéressants. Largement inspiré par le séjour américain des SCORPIONS (et notamment cette fameuse 42ème rue de New York), ce morceau devenu un incontournable en concert joue sur deux tableaux, contrebalançant la lourdeur des couplets par une certaine légèreté perceptible à l'écoute du refrain fédérateur et du solo à la talk-box d'un Matthias Jabs peu démonstratif mais d'une efficacité redoutable. Animal Magnetism, ce sont donc principalement des morceaux malheureusement oubliés, la faute à l'ombre portée sur l'album par son prédécesseur. Et si certains titres auraient en effet mérité d'être plus travaillés (le pesant « Hold Me Tight », « Falling in Love »), l'ensemble dégage une aura, une certaine attractivité sexuelle (ce fameux magnétisme animal) qui le rend attachant et délicieusement malsain. Parmi ces réussites oubliées, notons « Twentieth Century Man », dont la cadence et les mélodies vocales répétitives illustrent parfaitement ce titre traitant de l'asservissement de l'être humain envers les machines. Il y a bien entendu également LA ballade de l'opus, la doucereuse et mélancolique « Lady Starlight », sur laquelle un orchestre discret offre une montée en intensité riche en émotions. Un solo magistral de Rudolf Schenker achève l'ensemble, témoignant d'une sensibilité à fleur de peau. Et comment ne pas mentionner le morceau donnant son nom à l'album ? Extrêmement chargé en érotisme, « Animal Magnetism » est un titre lent et sombre, qui voit SCORPIONS lorgner vers son passé marqué de psychédélisme. Entre heavy et doom, un riff pachydermique tapisse l'ensemble, contrebalancé par un Klaus Meine inquiétant et impérial, se faisant autant griot diabolique de chanteur de hard rock. Un titre complexe et qui voit SCORPIONS passer du côté obscur de la force.

Design, Photography By – Hipgnosis Klaus Meine : chant Rudolf Schenker : guitare Matthias Jabs : guitare Francis Buchholz : basse Herman Rarebell : batterie Michael Schenker : guitare sur les pistes 2, 4 et 7 Cet album signe le retour sur les pistes 2, 4 et 7 du guitariste Michael Schenker, frère de Rudolf, qui avait quitté le groupe en 1972 après l'album Lonesome Crow. Mais c'est surtout le premier album où apparaît Matthias Jabs, nouveau guitariste soliste du groupe, qui succède dans cette tâche à Ulrich Roth. En effet Roth ayant quitté Scorpions en 1978, le groupe doit remplacer un guitariste soliste d'exception. Ils entreprennent donc des auditions à Londres pour trouver le digne successeur de Roth. Mais après plus cent quarante auditions infructueuses, c'est finalement à Hanovre, ville natale du groupe, que le nouveau guitariste est trouvé : c'est un ami du bassiste du groupe, Francis Buchholz, nommé Matthias Jabs. Avant de se lancer avec succès dans l'aventure Scorpions, Jabs faisait déjà partie d'un groupe de Hanovre nommé Lady. Selon l'intéressé, son recrutement s'est passé plutôt tranquillement. Il avait en fait été invité par Scorpions à une petite session improvisée, sans savoir que le groupe recherchait un nouveau guitariste. Voilà formé le line-up classique des Scorpions (Meine/Schenker/Jabs/Buchholz/Rarebell) qui durera jusqu'au début des années 1990. À peine recruté, Jabs laisse sa place dans le groupe car l'ex-membre des Scorpions Michael Schenker, frère de Rudolf et guitariste soliste virtuose, qui venait de quitter le groupe UFO était revenu proposer ses services pour l'enregistrement de Lovedrive. Il participe à l'écriture de Coast to Coast et Holiday (mais n'est pas crédité pour des raisons de droits artistiques) et joue les solos de Another Piece of Meat, Coast to Coast, Loving You Sunday Morning (le premier solo - le second est joué par Matthias Jabs) et Lovedrive. Mais une fois la tournée européenne démarrée, son alcoolisme et son instabilité le font disparaître après deux dates et Jabs fut définitivement réintégré au sein des Scorpions en tant que membre permanent. Avec ce recrutement et le départ de Roth, Scorpions entreprend avec Lovedrive un important tournant stylistique dans sa carrière, en mettant au point un son plus moderne et hard rock mais aussi des ballades plus abordables pour le grand public. En effet le style de Jabs à la guitare, un peu similaire à Van Halen, donne une touche plus fluide aux compositions, moins baroque que le jeu de Roth. De plus, le départ de ce dernier laisse le champ libre au duo Schenker/Meine pour les compositions, ce qui oriente encore plus le groupe vers ce son différent. Néanmoins ce changement n'est pas radical et l'on peut retrouver des similitudes stylistiques entre Lovedrive et l'album précédent du groupe Taken by Force. Cet album, grâce aux compositions de qualité et à ce son différent et nouveau qui annonce le style du Scorpions des années 1980, ouvre au groupe la voie du succès international qui se confirmera dans les années suivantes. Lovedrive est d'ailleurs le premier album du groupe à se classer dans les charts aux États-Unis et est devenu disque d'or dans ce pays, ce qui en fait le premier succès notable du groupe sur le continent américain. Il contient de nombreux classiques du groupe, comme l'instrumental Coast to Coast qui permet à Klaus Meine de montrer en public ses talents de guitariste, la ballade Always Somewhere (première du genre à mettre au crédit des cinq Allemands), une des ballades préférée des fans, Holiday et une chanson mêlant astucieusement reggae et hard rock Is There Anybody There?. La pochette du disque fait de nouveau parler d'elle (dans une voiture, un homme a sa main reliée par un long chewing-gum au sein d'une femme) : elle est censurée dans plusieurs pays, comme l'ont été celles des trois albums précédents, mais est néanmoins élue « pochette de l'année » par le magazine Playboy.

Taken By Force (1977) est tout d'abord le dernier album studio de Scorpions avec Ulrich Roth à la guitare, le "Jimi Hendrix allemand" (le son Roth, c'est quelque chose, quand même) et précédant le fabuleux live Tokyo Tapes. Si je ne suis pas un grand fan du Scorpions première période (comprendre celui des années 70), je dois avouer que cet album fait exception. Il faut dire que sur ce celui-ci, le ton Scorpions se durcit. Un titre comme He's a Woman, She's a Man montre la voie de ce que va devenir Scorpions lors de la décennie suivante. Le titre étant co-signé par le nouveau batteur du groupe, Herman Rarebell, on peut y voir là un "vent de changement" (ouais, je sais...). D'ailleurs, ce titre serait en partie la cause du départ de Roth qui n'aimait pas ce nouveau virage (et accessoirement, les paroles du morceau). On notera aussi les deux courants de composition maintenant bien distincts, avec Klaus Meine et Rudolf Schenker d'un côté, et Roth de l'autre (qui signe tout de même trois titres sur cet album dont les très bons I’ve Got To Be Free et The Sails of Charon). Les compos de Roth sont plus teintées seventies (normal, on est en plein dedans) alors que celle du tandem Meine/Schenker semblent déjà tournées vers la décennie suivante. C’est d’autant plus flagrant sur l’enchaînement Your Light (signée Roth) et He’s a Woman, She’s a Man que j’évoquais plus haut. Le début de la fin, sans doute. En attendant, tout cela fonctionne encore parfaitement. L'album démarre par un excellent Steamrock Fever bien catchy et entraînant. Aucun titre n'est faible. On notera surtout le superbe We'll Burn the Sky (encore que je préfère la version live sur Tokyo Tapes) et surtout la ballade imparable, Born to Touch Your Feelings, avec son final à donner la chair de poule. Certainement ma ballade préférée de Scorpions (ce qui n'est pas peu dire car en matière de ballade, ils en connaissent un rayon, nos Allemands !). Et Roth, comme à son habitude, brille de mille feux et balance des solos dont il a le secret. Taken By Force est un bon album dans la discographie féconde du groupe allemand. C’est l’album de transition parfait entre le Scorpions des années 70 et celui des années 80, plus Hard. Il peut être aussi considéré comme le disque de la rupture car certains fans de la première heure n’apprécieront pas le virage pris par le groupe avec Lovedrive. Personnellement, je pense que le groupe a su évoluer en s’inscrivant dans l’air du temps. Klaus Meine – lead vocals Ulrich Roth – lead guitars, backing vocals Rudolf Schenker – rhythm guitars, backing vocals Francis Buchholz – bass guitar, backing vocals Herman Rarebell – drums, percussion, backing vocals La photographie de couverture de l'album a été prise par Michael von Gimbut, [2] en revenant pour sa troisième commande de couverture d'album de Scorpions. Comme leurs deux albums précédents, Taken By Force a provoqué une controverse avec sa pochette qui a de nouveau entraîné le remplacement de l'œuvre sur la plupart des marchés par une couverture alternative utilisant des photographies des membres du groupe. L'ancien guitariste du groupe, Uli Jon Roth, a défendu l'œuvre originale dans une interview en 2008, déclarant: Je pense que l'idée originale était que les enfants jouaient avec des fusils dans un cimetière militaire en France et que certaines personnes trouvaient cela offensant. Je ne pense pas que ce soit choquant parce que je pense que c'était en fait une assez bonne image parce que cela met la guerre totalement en perspective, très souvent ce sont les jeunes, dix-huit, ninenteen [ sic]], aller à la guerre qui ne comprend pas pleinement la vie. Quand vous avez quinze ans, vous ne comprenez pas complètement la vie, mais ces gars doivent ensuite tirer sur d'autres personnes simplement parce que quelqu'un leur dit de le faire pour leur pays. Les politiciens sont parfois aussi des enfants avec des fusils, à tout moment beaucoup de politiciens sont trop heureux et la guerre devient trop facilement une "solution facile", alors que pour moi ça ne devrait jamais être une solution, il ne devrait pas y avoir de guerre endroit. Peut-être que de temps en temps un pays peut avoir besoin de se défendre, je comprends cela, mais en général, si vous considérez qu'il y a plus d'une centaine de guerres qui font rage aujourd'hui sur cette planète, c'est de la folie pure et simple. le côté obscur. Habituellement, les mauvaises choses viennent de la guerre, très peu de bonnes choses, mais parfois de bonnes choses viennent de mauvaises choses, c'est vrai, rien n'est noir et blanc. C'est toujours la mauvaise solution pour tuer les gens.

Photography By – Michael Von Glimbut Klaus Meine – chant Ulrich Roth – guitare solo, chants sur "Hell-Cat" et "Polar Nights" Rudolf Schenker – guitare rythmique Francis Buchholz – basse Rudy Lenners – batterie Le succès de Virgin Killer était similaire à d'autres albums de Scorpions avec Uli Jon Roth en tant que guitariste principal; il "n'a pas réussi à attirer l'attention sérieuse aux Etats-Unis" mais était "assez populaire au Japon" [6] où il a culminé au numéro 32 dans les diagrammes. [7] L'album était une autre étape dans le passage du groupe de la musique psychédélique au hard rock . [8] Le critique Vincent Jeffries d' Allmusic soutient avec le recul que l'album était "le premier de quatre libérations de studio qui ont vraiment défini les Scorpions et leur son métallique urgent qui deviendrait très influent". [9]Il compte également la piste titre et "Pictured Life" parmi les "stars" des Scorpions. Parmi les membres du groupe, Uli Jon Roth considère Virgin Killer et la version précédente In Trance comme ses albums préférés de Scorpions. La couverture originale de l'album représentait une jeune fille nue de dix ans, [11] avec un effet de verre brisé obscurcissant ses organes génitaux . L'image a été conçue par Steffan Böhle [12], qui était alors le chef de produit de la branche ouest-allemande de RCA Records . [10] Francis Buchholz était le bassiste pour le groupe et, dans une interview menée au début de 2007, se rappelle que le modèle dépeint sur la couverture était la fille ou la nièce du concepteur de couverture. [13] La photographie a été prise par Michael von Gimbut.

Photography By, Layout [Montage] – Bob Carlos Clarke Roger Chapman et Charlie Whitney repartiraient vers 1974 en tant que Streetwalkers. "Vicious But Fair", le seul album que nous ayons entendu, s'éloigne du rock progressif et pousse dans un territoire jusqu'alors occupé par Free, Savoy Brown, Foghat, et la Bad Company nouvellement formée et hautement vantée. Roger Chapman est génial face à un groupe de blues-rock et n'importe quel groupe avec Bobby Tench obtient un cran. Alors que la famille était formidable, Streetwalkers, pas tellement. Il y avait un certain intérêt au Royaume-Uni, mais quelle que soit l'audience que la famille avait aux États-Unis s'était évanouie depuis longtemps. Il y a quatre albums de Streetwalkers, tous disponibles sur cd. Recommandé pour les completistes et les fans de rock basé sur le blues de Seventy. Vocals – Roger Chapman Guitar – Bob Tench*, Charlie Whitney Horns – Mel Collins Keyboards – Brian Johnstone Bass – Michael Feat* Drums – David Dowle

Roger Chapman - harmonica, percussion and vocals Charlie Whitney - guitar, keyboards, slide guitar Bobby Tench - guitar, vocals, percussion, keyboards Jon Plotel - bass and background vocals Micky Feate - bass Nicko McBrain - percussion and drums David Dowle - drums Brian Johnson - keyboards Design, Illustration – Michael Farrell Photography By – Campus Après avoir enregistré l'album Chapman Whitney Streetwalkers , Chapman et Whitney onPremier album du groupe, Downtown Flt changé le nom de leur groupe à Streetwalkers et Tench les rejoint en tant que membre de la bande officielle, lors de la signature à Phonogram Inc. en 1975. Tench a été rejoint par le batteur Nicko McBrain , qui plus tard rejoignez Iron Maiden et le bassiste Jon Plotel. Ils avaient déjà participé à une émission européenne pour l'émission de télévision allemande Rockpalast avec Chapman et Whitney au début de la même année, sous le titre The Chapman Whitney Streetwalkers. [6] yers (1975) a été publié aux Etats-Unis et en Europe mais n'a pas obtenu le succès escompté aux Etats-Unis, bien que l'intérêt pour l'Europe ait été plus encourageant.

Illustration [Inside] – Robert Logrippo John Finley - chant Danny Weis , Larry Leishman - guitare Peter Hodgson - basse Michael Fonfara - orgue Duke Edwards - batterie, voix Malgré les critiques des autres critiques, Better Times, j'ai trouvé ce que j'attendais de ce groupe: Fun, funky, bluesy, soulful et positif. Il a fourni une nouvelle infusion d'optimisme au milieu de la tension de l'époque avec des morceaux tels que Better Times Are Coming, C'est un monde Groovy et Let's Party. D'autres titres tels que Old Age, Lady of Fortune et Rain Child abordent le côté pas si agréable de la vie, mais ils gardent un bel équilibre dans l'ambiance générale du disque. Comme ils étaient sur leur premier album, les joueurs sont de premier ordre et offrent un mélange rock et funky de bon moment avec quelques pistes instrumentales dansantes.

Illustration – Manuel Sorin Le troisième et dernier album avant la séparation (1985) s'intitule Metamorphose (1984), il intronise Francis Petit au poste de vocaliste en remplacement de Rapha... très lourde tache ! Pour cette galette, le line-up se composait de Francis Petit (chant), Christophe Aubert (guitare), Michel Aymé (basse) et Gérald Manceau (batterie). A l'occasion de la réédition de Metamorphose (qui bénéficie d'une remasterisation), outre les sept titres d'origine, nous avons la présence de cinq bonus, tirés de la compilation Shooting Star (1994), enregistré en hommage au guitariste Christophe Aubert, décédé la même année. Metamorphose a des arguments. Comme je l'ai déjà indiqué, Rapha était difficilement remplaçable, son timbre de voix unique incarnant une bonne part de l'âme de Warning. Mais Francis, sans toutefois réussir à le faire complètement oublier (mission impossible !), réussit à tirer son épingle du jeu. Bon choix donc ! Concernant les morceaux de l'album, hors bonus, nous avons des compositions énergiques (Star, Métamorphose, Portrait-Robot) voire speed (le survitaminé Rock Ball), des low-tempo (L’Aveu et son chouette solo final et L’Accident, trop long à mon goût) et n'oublions pas son petit bijou, le prenant et assez mélancolique Petit Peuple (qui était mon morceau préféré à sa sortie... et c'est toujours le cas aujourd'hui). Quant aux géniaux et inspirés soli de Christophe (écoutez notamment le long et somptueux final de Metamorphose), on les retrouve régulièrement tout au long de l'album. Finissons par les bonus, qui viennent parfaitement s'intégrer aux compositions initiales. Outre L’Aveu qu'on connaît déjà et dont la version est naturellement quasi-identique, nous avons des titres agréables et plutôt mid-tempo, en mode dynamique... et puis il y a la sublime ballade Tel Que Tu l’Imaginais, absolument incontournable lorsqu'on évoque Warning !